Что такое компьютерная музыка? - OXFORDST.RU

Что такое компьютерная музыка?

Электронная музыка

Электронная музыка (от нем. Elektronische Musik, англ. Electronic music) – это музыкальный жанр, обозначающий музыку, созданную с использованием электронных музыкальных инструментов и технологий, а также при помощи специальных компьютерных программ. Электронная музыка оперирует звуками, которые образуются при использовании электронных технологий и электромеханических музыкальных инструментов. Примерами электромеханических музыкальных инструментов могут служить телармониум, орган Хаммонда и электрогитара. Чистый электронный звук получают, применяя такие инструменты, как терменвокс, синтезатор и компьютер. Электронная музыка прежде ассоциировалась только с западной академической музыкой, но это изменилось с появлением доступных по цене электронных синтезаторов в конце 60-х. Синтезаторы благодаря своей умеренной стоимости стали доступны не только крупным студиям звукозаписи, но и также широкой публике. Это изменило образ популярной музыки — синтезаторы стали использовать многие рок- и поп-артисты. С этого момента электронная музыка стала привычной частью популярной культуры. Сегодня электронная музыка включает в себя большое количество различных стилей от экспериментальной академической музыки до популярной электронной танцевальной музыки.

В 1857 году французский издатель и книготорговец Эдуар Леон Скотт де Мартенвиль запатентовал изобретённое им устройство – фоноавтограф. Фоноавтограф был первым устройством, которое позволяло записывать звуки, однако не могло воспроизводить их. В 1878 году американский изобретатель Томас А. Эдисон запатентовал фонограф. Фонограф Эдисона, как и фоноафтограф Скотта, использовал для записи звуков цилиндры, но, в отличие от фоноавтографа, звук можно было как записывать, так и воспроизводить. В 1906 году появилось крупное изобретение, которое оказало глубокое влияние на развитие электронной музыки. Это был триодный ламповый усилитель (аудион), разработанный американским изобретателем Ли де Форестом. Это была первая электронная лампа, состоявшая из стеклянного сосуда с термокатодом внутри, которая позволила вырабатывать и усиливать электрические сигналы. Изобретение электронной лампы положило начало существованию радиовещания и сделало возможным появление электронных вычислительных процессов.

Задолго до того как появилась электронная музыка, у композиторов существовало желание использовать вновь появляющиеся технологии в музыкальных целях. Было создано несколько инструментов, в конструкции которых были использованы как механические, так и электронные составляющие. Именно эти инструменты и проложили путь для появления более совершенных электронных инструментов. В период с 1898 по 1912 гг. американский изобретатель Тадеуш Кахилл работал над созданием электромеханического инструмента под названием телармониум (англ. Telharmonium). Но этот инструмент не приняли из-за его габаритов: его версия 1906 года весила порядка 200 тонн, его механизм занимал площадь, приблизительно равную 18 кв. метрам. Первым электронным инструментом принято считать терменвокс. Терменвокс был создан русским изобретателем Львом Терменом приблизительно в 1919–1920 году. Это инструмент, в котором звук извлекается путём движения рук исполнителя в электромагнитном поле двух металлических антенн. К ранним электронным инструментам также относят: звуковой крест (Croix Sonore), изобретённый в 1926-м году русским композитором Николаем Обуховым, и Волны Мартено, изобретённый французским музыкантом Морисом Мартено в период с 1919-го по 1928-й годы. Самый известный пример использования Волн Мартено — Турангалила-симфония Оливье Мессиана. Инструмент Волны Мартено также использовался для написания музыки другими композиторами, преимущественно французскими, например, Андре Жоливе.

Новая эстетика музыкального искусства

В 1907-м году, всего годом позже после изобретения аудиона, Ферручио Бузони публикует трактат «Эскиз новой эстетики музыкального искусства» (нем. «Entwurf einer neuen Ästhetik der Tonkunst»), в котором он рассматривает возможность применения электрических и других источников звука в музыке будущего. Он предполагал, что в будущем октава будет разделена на большее количество полутонов, чем предлагает классический строй, в котором октава состоит из 12-ти полутонов, и это станет возможно благодаря динамофону Кахилла. Идеи Бузони, высказанные в этом трактате, оказали глубокое влияние на умы многих музыкантов и композиторов. Но больше всего он повлиял на своего ученика Эдгара Вареза.

1920 — 1930-е годы

В период 1920-1930 гг. за появилось много электронных инструментов и первых композиций для них.Первым электронным инструментом был этерофон, изобретённый Львом Терменом в 1919-20 гг. в Ленинграде, позже переименованный в терменвокс. С появлением терменвокса появились и первые сочинения для электронных инструментов. В 1927-м американский изобретатель О’Нилл разработал прибор, в котором использовалась магнитная лента, что вывело процесс звукозаписи на новый уровень. Но коммерческого успеха этот прибор не принес. В 1928-м году Морис Мартено, французский виолончелист, изобрел инструмент «волны Мартено» и дебютировал с ним в Париже. В 1929-м году композитор Джозеф Шилингер написал сюиту для терменвокса с оркестром – «First Airphonic Suite» (первое исполнение с Кливлендским оркестром, где Лев Термен выступил в качестве солиста). В том же 1929-м году американский композитор Джордж Антейл впервые в своем творчестве пишет партии для механических инструментов, электрических шумовых машин, моторов и усилителей. Эти партии он писал для оперы «Господин Блум», которую он так и не закончил. В 1930-м году Лоренс Хаммонд основал свою компанию по производству электронных инструментов. Он начал широкое производство «органа Хаммонда», в котором реализовывался тот же принцип звукоизвлечения, что и в теллармониуме Кахилла. Хаммонд запускал в производство и другие изобретения, например, ранний ревербератор. Так же Хаммонд в сотрудничестве с Джоном Ханертом и Си Эн Вилльямсом изобрел ещё один электронный инструмент – «новакорд». «Новакорд» был первым коммерческим полифоническим синтезатором. Впервые «новакорд» был представлен публике в 1939-м году на Всемирной выставке в Нью-Йорке, но уже в 1942-м году его сняли с производства.

Метод фотооптической записи звука, применявшийся в кинематографии, позволял увидеть графическое изображение звуковой волны. Этот метод позволил также реализовать процесс синтеза звука путём графического отображения будущего звука на поверхности пленки. Музыкант должен был буквально рисовать музыку. Магнитная плёнка открыла массу новых возможностей для манипулирования звуком. Магнитная плёнка была относительно дешёвым и очень надёжным звуконосителем. Так же, как и киноплёнку, её можно было изменять в соответствии с задумкой автора: нежелательные части плёнки можно было удалить или перенести в другое место; можно было соединять плёнки с разных носителей. Плёнку можно было склеить таким образом, чтобы создать эффект зацикливания одного или нескольких звуков. Скорость движения плёнки можно было замедлить или ускорить, проигрывать задом-наперед и перематывать. Усилители сигнала и монтажное оборудование ещё более расширили возможности плёнки как носителя информации, позволяя размножать записи (живые звуки, речь, музыку), чтобы их смешать вместе и записать на другую пленку с относительно низкой потерей качества звучания. Ещё одним неожиданным сюрпризом было то, что магнитофоны можно было переделать в эхо-машины, которые воспроизводили бы сложные поддающиеся контролю высококачественные эффекты эхо и реверберации. Большую часть таких эффектов просто невозможно было смоделировать механическими устройствами.

Производство аппаратов магнитной записи, поставленное на поток, незамедлительно привело к возникновению новой формы электронной музыки – электроакустической музыки. К наиболее известным композиторам, работавшим в области электроакустической музыки, относятся: Эдгар Варез, Лучано Берио, Джон Кейдж, Карлхайнц Штокхаузен, Янис Ксенакис, Бруно Мадерна, Луиджи Ноно, Дьёрдь Лигети, Макс Мэтьюс, Милтон Бэббитт, Анри Пуссёр, Дитер Кауфман, Пьер Булез, Эдисон Денисов, Эдуард Артемьев и другие.

Конкретная музыка

Вскоре после выхода на рынок новых средств звукозаписи – магнитофона и пленки, композиторы начали использовать эти средства, чтобы создать новую технику сочинения музыки, в которой основную роль играл бы записанный звук. Эту технику композиции назвали «конкретной музыкой». Данная техника предполагает создание фонограммы из записанных фрагментов природных и индустриальных звуков. Первые произведения, выполненные в этой технике, были смонтированы французским звукорежиссёром и инженером Пьером Шеффером (первая пьеса «Этюд на железной дороге») Это событие ознаменовало начало нового музыкального направления – «музыка для пленки». Способ исполнения данной музыки – публичное проигрывание созданной фонограммы. В 1949-м году к Шефферу присоединились Пьер Анри и Эгар Варез (Варезу принадлежит сочинение «Пустыня» для камерного оркестра и пленки).

Elektronische Musik

В 1949-м году немецкий физик Вернер Мейер-Эпплер опубликовал книгу «Излучение звука: электронная музыка и синтетическая речь», в которой выдвинул идею о том, чтобы синтезировать музыку исключительно из сигналов, производимых электричеством. В этом концепция немецкой электронной музыки отличалась от концепции конкретной музыки, в которой основной идеей была запись звука, а не синтезирование его электрически. Наиболее известный и видный деятель немецкой электронной музыки – Карлхайнц Штокхаузен.

Вторая половина 1950-х: компьютерная музыка

Австралийские учёные Тревор Пирси и Мастон Бирд изобрели и построили CSIRAC – одну из первых цифровых ЭВМ. Математик Джеф Хилл запрограммировал компьютер проигрывать популярные музыкальные мелодии начала 50-х. В 1956 году были сделаны миру ряд значительных открытий и изобретений в области электронной музыки:

  1. Луи и Биби Барроны написали музыку к фильму «Запретная планета», сконструировав электронные схемы, в числе которых была схема кольцевой модуляции. Схемы были созданы для производства таких звуков, как жужжание, скрип, скрежет, и ряда «космических» эффектов.
  2. Химик, программист и композитор Лежарен Хиллер совместно с Леонардом Айзексоном создают сюиту «Иллиак» (англ.Iliac Suite) для струнного квартета — первую компьютерную композицию. Хиллер был серьёзно увлечён теорией информации и утверждал, что компьютер может «научиться» писать музыку самостоятельно, если создать для него специальный алгоритм сочинения, который можно вычленить, анализируя музыку великих композиторов.
  3. Карлхайнц Штокхаузен пишет выдающуюся для своего времени пьесу «Песнь юношей», в которой использована технология синтеза речи (на текст книги пророка Даниила).
Читайте также  Вокал и пение

1960-1970-е

Начало электронной музыке как самостоятельному направлению было положено на рубеже 1960 – 1970-х годов стараниями исполнителей краут-рока Can, Popol Vuh, Клауса Шульце и групп Tangerine Dream, Organisation, Kraftwerk, Cluster, Neu!. Черпая основные идеи как из спейс-рока и психоделического рока, так и из академического авангарда Карлхайнца Штокхаузена и Яниса Ксенакиса, эти музыканты создавали экспериментальные звуковые коллажи. Основная идея заключалась в использовании электроники как нового выразительного средства, способного вызывать в воображении сюрреалистические образы. На протяжении 1970-х синтезаторы стали модным и популярным новшеством в музыке, постепенно вытесняя электроорганы. Электронная музыка 1970-х – это в основном клавишно-синтезаторная музыка.

1970-1980-е

Конец 1970-х и начало 1980-х ознаменовались появлением ряда новых технологий и связанных с ними новых жанров. С появлением программируемых драм-машин, таких, как Roland TR-808, живые ударные практически исчезли из электроники. Большое влияние на музыку оказало появление брейкбита (ломаного бита). В композициях начали использоваться записи других исполнителей, зацикленные или обработанные. В электронную музыку с дискотек и радио перешла профессия диджея (DJ, Disk Jockey), который оперирует с пластинками на специальной установке (turntable). Свою лепту в развитие популярного синтезаторного стиля внесли Марек Билински и группа Pond, югослав Miha Kralj; а в нашей стране – Михаил Чекалин, Янис Лусенс и группа Зодиак, Гедрюс Купрявичюс и группа Арго, Эдуард Артемьев, Свен Грюнберг, Лепо Сумера, Vadim Ganzha и дуэт электронной музыки «Новая коллекция» (Игорь Кезля и Андрей Моргунов). В XX веке уже практически невозможно найти чистых стилей. Электронная музыка стремится к единству через бесконечное многообразие форм.

Компьютерная музыка

Компьютерная музыка — одно из самых старых компьютерных искусств: в 1950-х гг., на заре компьютерного музицирования, очень немногие композиторы искали и изучали новые звуковые возможности, открываемые компьютерами.

Сегодня в области компьютерной музыки котируются работы, соединяющие прекрасные человеческие голоса с «компьютерным вокалом», тонко отзывающимся на человеческое пение, необычное соединение обыденных звуков и музыки, сочетание свободной импровизации автора с наиболее эффектными возможностями абстракционизма компьютерной музыки. Компьютерная музыка как направление искусства стремится к сплаву эстетической элегантности с превосходным техническим мастерством. В ней могут играть свою роль все звуки: от тиканья часов или шуршания переворачиваемых страниц книги, пронизанных электронным музыкальным сопровождением, до мощного симфонического звучания электронных или традиционных инструментов, как это было сделано, например, в композиции Бернарда Пармеджани «Entre temps» («Между тем»), получившей «Золотую Нику» в области компьютерной музыки на фестивале Ars Electronica в 1993 г. Вот как впечатляюще описывает свое произведение сам автор:

«Представленная работа есть некое связующее звено между прошлым, настоящим и будущим, соединяющее их воедино. Первое движение: медленное тиканье маятника, возникающее в начале первого фрагмента, дает одновременно прямой, символический и наиболее иллюзорный образ течения времени. Звуковая ткань состоит из промежутков тишины между отдельными звуками и напоминает более или менее ясные грезы воображения. Иногда их застилают воспоминания, которыми мы пытаемся спастись от нашей слишком знакомой, привычной реальности. Второе движение: в следующий момент наше внимание захватывает контрастное периодичное живое звучание, возникающее в моменты, когда промежутки тишины нарушаются тиканьем часов. Эти звуки не позволяют нам отвлечься от некоего — уже начавшегося — движения. Каждое мгновенье тишины становится ожиданием следующей вариации. Эти звуки, с их глиссандо и внезапными взлетами, становятся самостоятельным музыкальным объектом, хотя слушатель и не может избавиться от беззвучных интервалов между ними. Третье движение: как бы в ответ на напряженное ожидание аудитории, музыкальная ткань распространяется на промежутки тишины, создавая своего рода «управляемое» сновидение. Плавные линии, широкие и медленные, выходят за пределы временных ограничений, беззвучный контекст музыки исчезает. Однако отсутствие мгновений тишины парадоксально создает возможность для слушателей углубиться в свое внутреннее время. Четвертое движение: сначала сложная игра ритмично приближающихся и удаляющихся звуков перемещает аудиторию между прошлым и настоящим временем. Затем узнаваемые уже элементы музыки и мгновения тишины смешиваются, создавая общее музыкальное пространство. И, наконец, непрерывная, плотная и необратимая волна времени захватывает слушателей».

Компьютерная музыка может быть импровизацией, связывающей компьютер с такими экзотическими инструментами, как корейская цитра и мексиканская арфа (композиция мексиканского композитора Жавьера Альвареса «Mannam» -призера Ars Electronica 1993 г.). Это призрачное, медитативное произведение в мелодическом русле корейской музыки соединило в себе и азиатское, и латиноамериканское музыкальное чувство в очаровательной и непредсказуемой мелодии. Композиция «Mannam» имеет свой сюжет: музыкант, владеющий корейской цитрой, так называемый каягум, находит мексиканскую арфу (тоже народный инструмент) на вершине горы, затем мексиканский арфист находит ка-ягум в саванне. Каждый из них пытается научиться играть на новом для него инструменте с помощью известных ему приемов. Попробуйте представить себе, как эти музыканты пользуются новыми инструментами для выражения привычного им музыкального строя и традиционной эстетики, а также какое удивительное новое звучание обретет каждый инструмент. Поначалу Альварес попытался вообразить, как может выглядеть, например, «корейский танец в мексиканских шляпах» или «мексиканский танец с корейскими лентами». Эти сочетания, однако, несколько оттолкнули его своей эклектичностью и, в конце концов, он решил соединить совместимые музыкальные образцы этих культур с помощью ритмического строя, общего для музыки обеих стран. Это простое изобретение стало стержнем композиции, позволило беспрепятственно сочетать разные мелодии и воображаемые ситуации.

Необычный эффект возникает и при создании огромного и разнообразного звукового мира, произошедшего из единственного источника звука, как это сделал призер Ars Electronica того же года английский композитор Джонт Хар-рисон в работе «. et ainsi de suite. » («. и так далее. »). Эта композиция имеет форму сюиты с вариациями и использует все великолепие электронного звучания, а исходным материалом для нее послужил довольно грубый звон обычных стаканов, правда, предварительно обработанный на компьютере с помощью специальных программных средств и нескольких разных процессоров и дополнительных звуковых источников в студии электроакустической музыки Бирмингемского университета.

Надо сказать, что исполнитель или группа исполнителей могут достаточно разнообразно взаимодействовать с компьютером при создании и исполнении музыкального произведения. По крайней мере, четыре вида совместного музицирования можно указать сразу:

1. Компьютер используется в качестве музыкального инструмента, которым исполнитель управляет с помощью клавиатуры, сигналов разного рода, ручного или ножного управления. В этой роли компьютер усиливает и модулирует звучание традиционного инструмента или оркестра.

2. Компьютер работает как интерпретатор, внимающий группе живых исполнителей и отвечающий руладами и вариациями на услышанную тему.

3. Компьютер импровизирует, независимо создавая музыкальные фразы и изменяя параметры услышанных мелодий в ответ на игру живых исполнителей на основании заложенных в него программ.

4. Компьютер создает собственную музыку на базе серий программных алгоритмов. Он может дорабатывать созданную музыку после ее прослушивания, руководствуясь опытом, накопленным при предыдущей работе с живыми исполнителями. В результате он оказывается способным к разработке собственного музыкального стиля, основанного на каталоге характерных для него музыкальных фраз и стиля их обработки.

Такая работа предполагает «совместную» импровизацию — сочетание компьютерной интерпретации и эмоционального сопереживания. Это требует от исполнителей технического мастерства, художественного творчества, способности к сотрудничеству и совместной импровизации. Компьютер вдохновляет музыкантов своей мнимой независимостью от человека и тем совершенством, с которым он организует пространство данных — почти так, как это делается в природе. Эти два свойства присущи еще и скульптуре: ее произведения также могут рассматриваться и как автономные неповторимые объекты, и как часть окружающей взаимосвязанной среды.

Музыкальные скульптуры — это еще одно новое направление развития компьютерных искусств, представляющее собой создание системы звучащих скульптур. Они могут состоять, например, из вполне прозаических металлических или пластмассовых предметов массового производства типа бакенов, бутылок и трубок, соединенных между собой. Соединяющие элементы каждой цепочки предметов выведены наружу так, что аудитория может воздействовать на них, создавая и изменяя звуки и голоса. Продолжительность, тембр, мелодия, количество и стиль репетиций также зависят от аудитории. Это участие аудитории делает ее активным создателем эстетического звукового события.

В каждом конкретном случае вопрос выбора тех или иных музыкальных и немузыкальных средств и инструментов зависит от философской и эстетической концепции задуманного произведения. Для многих компьютерных музыкантов самым интересным свойством компьютерной музыки является бесконечное разнообразие допускаемых машиной трансформаций и та «микрохирургическая» обработка, которой подвергаются предложенные автором звуки, приводящая к совершенно необычным и неожиданным метаморфозам исходного музыкального материала. Музыкантов завораживает та необычайно богатая музыкальная палитра, которая создается компьютером из очень ограниченного числа изначально предложенных звуков.

Читайте также  Рейтинг фирм-производителей фортепиано

Необходимо отметить, что работа с использованием компьютерных программ позволяет комбинировать и соединять разные музыкальные техники и создавать на доступных исполнителю инструментах изящные музыкальные фразы: каскады звуков, необычайно быстрые вариации темы, одновременное использование до восьми аранжировок, звуковые фильтры и т. д. Очень часто при такой работе с компьютером исходный музыкальный материал уклоняется от традиционного развития и обнаруживает свои новые возможности. В целом такая работа часто более ценна, чем простая эксплуатация безукоризненной техники исполнителя. Более того, по словам призера Ars Electronica 1992 г. по разделу компьютерной музыки Франциска Домонта, она заставляет музыканта и композитора серьезно считать, что феномен восприятия музыки является стойким инвариантом для компьютерной обработки и обладает сам по себе гораздо более содержательной концепцией искусства, чем научные модели, чье реальное отношение к музыкальному творчеству нужно еще доказывать.

Музыканты стремятся сочетать живые звуки с компьютерной музыкой, чья роль состоит не в оркестровке песен и тем, а скорее в развитии мелодий и тембров голосов людей и инструментов за пределы их обычных природных возможностей. Компьютер — хорошая поддержка такой традиции: вокал и музыка обрабатываются им в соответствии с индивидуальным стилем певца или исполнителя. Таким образом, возможно создавать музыку несуществующих культур, экспериментируя с реальными или вымышленными музыкальными традициями. Наша культура стремилась использовать каждое техническое новшество для развития природных музыкальных ресурсов: гармонии, мелодичности и тембра. Воображаемая культура тоже может воспользоваться технологиями для развития своих музыкальных традиций. Эта идея может породить специфический песенный, камерный или симфонический стиль с собственным узнаваемым музыкальным «традиционным» орнаментом.

В целом сегодня игра с синтезом звуков уже не так привлекает внимание композиторов, как это было раньше: представление о смысле и роли компьютерной музыки изменилось. Теперь авторы стремятся не столько к созданию новых звуков, сколько к принципиальным изменениям в области формы их музыкальных произведений, в стремлении к новой музыкальной эстетике. Для некоторых композиторов компьютер стал центральным музыкальным инструментом, хотя и не единственным используемым при создании произведений. Другими словами, раньше компьютерная музыка интересовала их как результат музыкального исследования, теперь же важен сам процесс ее создания.

Композиторы сейчас осознают, что компьютер стал единым инструментом для всех искусств. И поскольку теперь художник может использовать его и как музыкант, и как писатель, и даже как ученый, это обстоятельство приводит к идее новых художественных форм и к пересмотру художественных ценностей.

Что такое «интерактивный компьютерный перформанс»?

Какие факторы определяют эстетику и форму интерактивной музыкальной среды?

Какое влияние на социальные процессы и представления может оказывать интерактивное искусство?

Каким образом интерактивное искусство может расширить опыт человеческой коммуникации?

Что такое «музыкальные скульптуры» и какие природные музыкальные скульптуры вам известны?

Какие роли может выполнять компьютер при создании музыки, озвучивании визуального ряда и организации перформансов?

Какие перспективные направления развития компьютерной музыки и звукового искусства в целом вы видите в связи с возникновением компьютерного создания и обработки музыки и звука?

Баренбойм Л. Карл Орф и институт его имени // Элементарное музыкальное воспитание по системе Карла Орфа. М., 1978.

Ломов Б. Ф. Вопросы общей, педагогической и инженерной психологии. М., 1991.

Мигунов А. С. Искусство и процесс познания. М., 1986.

Моль А., Фукс В., Касслер М. Искусство и ЭВМ. М., 1975.

Мукаржовский Я. Исследования по эстетике и теории искусства. М., 1994.

Налимов В. В. Непрерывность против дискретности в языке и мышлении. Тбилиси, 1978.

Уиллиджис Р., Уиллиджис Б., Элкертон Дж. Человеческий фактор. М., 1995.

Фейнберг Е.Л. Две культуры. Интуиция и логика в искусстве и науке. М., 1992.

Шабоук С. Искусство — система отражения. М., 1976.

Эйзенштейн С. Ледовое побоище: звукозрительный ряд // Собр. соч. Т.2. М., 1964-1970.

Что такое музыкальное программирование — кто и почему им занимается, устраивая настоящие live-сессии

Сохранить и прочитать потом —

Ранее мы говорили об инструменте OpenMusic. Он позволяет писать музыку, используя объектно-ориентированный подход. Сегодня речь пойдет о людях, которые создают композиции с помощью специализированных языков программирования. И зачастую делают это «в прямом эфире».

Краткая история компьютерной музыки

Первым компьютером, который использовали для создания музыки, был CSIRAC. Его спроектировала группа австралийских инженеров в конце 40-х годов. Тогда математик Джеф Хилл (Geoff Hill) разработал специальную алгоритмическую программу для синтеза музыкальных произведений. В 1951 году CSIRAC успешно исполнил популярный «Марш полковника Боги» («Colonel Bogey March»). Но на этом его музыкальные достижения закончились.

Поэтому первым «компьютерным музыкантом» считают Макса Мэтьюса (Max Mathews). Он начал воспроизводить музыку с помощью мейнфрейма IBM. Пример такой композиции:

С тех пор музыкальное программирование проделало большой путь. Под этим термином чаще всего понимают процесс создания треков с помощью секвенсоров, синтезаторов и специального ПО. Но некоторые инженеры-музыканты считают такой подход моветоном. Сторонники этой точки зрения используют программный код и специализированные ЯП для создания своих композиций.

Кто программирует музыку

В качестве примера можно привести инженера Эндрю Соренсена (Andrew Sorensen). Он доктор компьютерных наук и обладатель степени бакалавра в сфере джаза. Эндрю пишет музыку с 2005 года. Примеры треков можно найти на его Vimeo-канале. Вот одна из его работ (музыка начинается со второй минуты). Такие музыканты часто устраивают live-сессии и пишут треки перед живой аудиторией. Например, этим занимается Эллисон Уокер (Allison Walker) — саунд-дизайнер в игрострое из Мельбурна. По её словам, на таких выступлениях аудитория лучше понимает, насколько сложную работу проделывает композитор цифровой музыки.

К слову, на подобные перформансы можно попасть и в России. Например, в минувшие выходные в Екатеринбурге прошел алгорейв — дискотека, на которой диджеи в реальном времени писали код. Слушатели могли наблюдать, как наборы переменных и цифр превращаются в мелодию.

Некоторые авторы не просто программируют цифровую музыку. Они создают системы машинного обучения, которые помогают составлять музыкальные композиции и даже пишут их самостоятельно.

В этом направлении работает композитор Дэвид Коп (David Cope) из Университета Калифорнии. Он разработал и запатентовал алгоритм, генерирующий музыкальные треки на основе существующих. Например, на видео выше представлена композиция, основанная на творчестве Баха.

На чем пишут

Для создания музыки такого рода используют специальные языки программирования. Их число довольно обширно, поэтому дальше мы приведем лишь некоторые из них.

Примером может быть ORCA — это эзотерический ЯП для создания процедурных секвенсоров, в котором каждая буква алфавита представляет собой отдельную операцию. Один из резидентов Hacker News отметил, что написание мелодии с помощью операторов ORCA напоминает сборку пазла. Исходники и подробную инструкцию можно найти в репозитории на GitHub.

Вот пример мелодии, сгенерированной на ORCA:

Некоторые музыканты создают собственные языки. Например, уже упомянутый Эндрю Соренсен представил Extempore. Он разработан специально для проведения живых выступлений.

В 2014 году Эндрю выступил на конференции для разработчиков OSCON. Там он продемонстрировал возможности своего языка и написал мелодию с нуля. Запись есть на YouTube.

Также стоит выделить язык ChucK, который разработали инженеры из Принстонского университета еще в 2003 году. Он поддерживает параллельное выполнение нескольких потоков и дает возможность изменять программу прямо во время её исполнения. Подробная документация с примерами есть на сайте проекта.

Считать ли программную музыку искусством

Есть мнение, что программно-сгенерированные треки — это не настоящая музыка («искусственная»). В прошлом многие музыканты отказывались играть мелодии, сгенерированные программой Дэвида Копа, когда он просил их об этом. По словам Дэвида, они считали, что это негативным образом повлияет на их профессиональный имидж. Но ситуация изменилась.

Все больше людей и композиторов считает, что компьютеры и вычислительные системы созданы для расширения человеческих возможностей и развития творческих способностей. И все чаще музыканты экспериментируют с новым ПО, техникой и звуками — подбирают и создают необычные семплы. Едва ли музыкальное программирование станет массовым. Но это определенно то явление на стыке сразу нескольких областей знаний и культур, на которое стоит обратить внимание.

Музыка, написанная компьютерами

Если у вас сейчас не болит голова, то можете послушать музыкальные композиции, созданные искусственным интеллектом.

Искусственный интеллект всё чаще используется в музыкальных экспериментах. В нашей подборке — некоторые результаты таких опытов: искусственные битлы, ненастоящий Летов и почти что Бах.

Amper Music

В этом примере роль машины, наверно, наименьшая по сравнению с остальными треками из подборки. Человек и певица Тарин Саутерн написала мелодию и текст для песни, записала вокал, а программа Amper Music на основе этого сформировала все аранжировки и свела трек.

Читайте также  Как сочинить текст песни?

В итоге получилась типичная поп-песня, с самыми банальными музыкальными ходами. Обстоятельства создания трека, конечно, самое интересное, что в песне есть:

FlowComposer

FlowComposer — это программа, созданная отделом искусственного интеллекта компании Sony. На основе загруженных в неё песен она формирует нотный лист, а люди-музыканты уже записывают аранжировки, вокал и так далее.

Daddy’s Car — это композиция, написанная программой на основе песен The Beatles. Получились убедительные шестидесятые, без намёка на постиронию. В том, что касается продюссирования, отличие от предыдущего трека довольно заметно — мелодией на этот раз занимался искусственный интеллект и она вышла топорной и плохо запоминающейся:

Ещё один пример. Программа та же, но загрузили в неё не одну группу, а сразу несколько разных исполнителей — классиков американской эстрады, в основном первой половины XX века: Irving Berlin, Duke Ellington, George Gershwin, Cole Porter.

Песня получилась, с одной стороны, даже более невнятная, чем прошлая, а с другой стороны — в хорошем смысле странная, жуткая, особенно это касается последних 30 секунд:

Neurona, Нейронная оборона и даже Нейро-Скрябин

Читайте также :

Немножко об отечественных успехах на почве неживой музыки. Сотрудники «Яндекса» Иван Ямщиков и Алексей Тихонов научили искусственную нейронную сеть сочинять стихи в стиле Курта Кобейна. Так возникла группа Neurona — здесь нейросеть отвечает за лирическую составляющую, а к её песням живые музыканты записывают музыку. Исполняет всё это приглашённый рок-певец:

Ямщиков и Тихонов также стоят за следующим музыкальным проектом — тексты здесь тоже писала нейросеть, но на этот раз её вдохновили понятно кем. Получилось очень плохо и утомительно, но поначалу смешно:

А вот этот эксперимент всё тех же сотрудников «Яндекса» вышел на порядок интереснее. На этот раз их нейросеть написала академическую музыку — в стиле Александра Скрябина. Эксперт по творчеству композитора после этого сделала аранжировку и свела вместе треки нейросети. Так получилась единая композиция, которую сыграли на конференции в год 145-летия композитора:

DeepBach

DeepBach — не первая, но самая успешная попытка научить машины создавать полифоническую музыку в стиле позднего Средневековья и барокко. Программа состоит из четырёх нейросетей, которые программируют музыку совместно.

Как не трудно догадаться, свою музыку DeepBach создаёт на основе композиций Иоганна Себастьяна Баха. Три из четырёх нейросетей заняты обработкой и предсказаниями того, какие ноты за какими следуют, а четвёртая суммирует их предсказания и создаёт полифонические композиции. Получается настолько удачно, что примерно половина участников фокус-групп не может отличить DeepBach от Баха настоящего:

DADABOTS

DADABOTS — это самообучающийся искусственный интеллект, созданный двумя приятелями-программистами из Бостона на основе нейросети SampleRNN. DADABOTS с помощью системы предсказаний учатся писать музыку разных современных жанров.

Например, разработчики скормили нейросети пластинку группы Krallice, исполняющей блэк-метал. Все треки с альбома были разбиты на восьмисекундные отрывки — программе давали прослушать фрагмент, а она должна была предугадать, каким будет продолжение отрывка, и так постепенно обучалась. И в итоге научилась создавать свои композиции, которые даже понравились некоторым любителям подобной музыки:

Музыка, которую пишут алгоритмы. Что послушать и какой софт попробовать

Изучили разные источники и узнали, что такое алгоритмическая музыка и кто ее создает.

Изучили разные источники и узнали, что такое алгоритмическая музыка и кто ее создает.

Алгоритмическая музыка и компьютер

Алгоритмической называется музыка, которая создана при помощи математических моделей, правил и алгоритмов. Звучание при этом достигается за счет сочетания аналогового и цифрового звука.

При написании такой музыки используют сложные ритмические фигуры: меняется темп или микротоновые интервалы. Все эти изменения можно описать математическими моделями. Алгоритм способен анализировать их и применять нужные в нужный момент.

Компьютеру задают параметры произведения, программа генерирует один или более готовых вариантов. При этом авторство принадлежит человеку, ведь именно он выбирает конечную версию произведения.

Первым компьютером, который применили для создания музыки, стал CSIRAC. В конце 1940-х математик Джеф Хилл (Geoff Hill) разработал специальную алгоритмическую программу для синтеза музыкальных произведений. В 1951 году CSIRAC исполнил популярный «Марш полковника Боги» («Colonel Bogey March»).

Первое музыкальное произведение, полностью написанное искусственным интеллектом, — «Сюита Иллиака для струнного квартета». Для его создания в 1957 американский композитор, теоретик музыки и химик Лежарен Хиллер в сотрудничестве с Леонардом Исааксоном запрограммировал компьютер ILLIAC I.

Прошло более полувека. В январе 2020-го Warner Music впервые подписала контракт с создающим музыку алгоритмом. Endel — приложение, которое генерирует индивидуальный звуковой фон, ориентируясь на погоду, время суток, местонахождение пользователя, его пульс и шаги.

А в феврале этого года программисты Дамьен Риль (Damien Riehl) и Ноа Рубин (Noah Rubin) заявили, что при помощи алгоритма впервые сгенерировали «все возможные» музыкальные мелодии в MIDI. Программа записала все комбинации из восьми нот и 12 тактов. Алгоритм создавал 300 тысяч мелодий в секунду — всего получилось 68 миллиардов. Разработчики защитили их авторским правом и сделали «общественным достоянием». Цель — прекратить разбирательства и войны между музыкантами за авторские права.

Инструменты для алгоритмической музыки

CSound — появился на свет в 1985. Создатель — композитор Барри Веркоу (Barry Vercoe). По большей части текстовый, в оболочке традиционной командной строки DOS. Для входных аргументов используют два текстовых файла — orchestra (описывает природу инструментов) и score (описывает ноты и их параметры). Кроме компилятора, CSound имеет дополнительную программу Cabbage, в которой можно создавать собственные аудиоэффекты или Vst–плагины.

Max — язык потокового программирования для музыки и мультимедиа. Разработан в 1986 году Миллером Пакеттом (Miller Puckette), сотрудником центра IRCAM в Париже. Использует модульный подход, связывает все компоненты друг с другом и визуализирует результат. В программе есть редактор патчей. Может перемешивать, деформировать и фильтровать звуковые дорожки, собранные из разных источников. У Max есть аналог с открытым исходным кодом — Pure Data.

OpenMusic — объектно-ориентированная визуальная среда программирования для синтеза цифрового звука. Инструмент разработали в 90-е годы инженеры из французского Института исследований и координации акустики и музыки (IRCAM). Утилита основана на диалекте языка LISP — Common Lisp. Существует семь версий OpenMusic — последнюю выпустили в 2013 году.

ORCA — язык параллельного программирования. Был разработан в 1989 году Генри Балом (Henri Bal) в Амстердамском Vrije Universiteit. Используется для создания процедурных секвенсоров, где каждая буква алфавита — это отдельная операция.

Мелодия, сгенерированная ORCA.

Extempore — язык системного программирования, предназначенный для программирования систем реального времени в режиме реального времени. Представлен Эндрю Соренсеном (Andrew Sorensen) в 2011. Состоит из двух интегрированных языков: Scheme (с расширениями) и Extempore Language. Язык использует кросс-компилятор LLVM.

Что послушать

Создатель стохастической музыки, один из лидеров современной Новой музыки и концептуализма в архитектуре Янис Ксенакис (Iannis Xenakis) в начале 1960-х годов начал экспериментировать с музыкой, сгенерированной ЭВМ и программами на языке Fortran.

Его произведение «Morsima-Amorsima» основано на математической теории марковских цепей, а «GENDY3» — создано с помощью им же разработанной программы GENDYN (использует динамический стохастический синтез).

Австрийский музыкант и разработчик программ Карлхайнц Эссль (Karlheinz Essl) написал программу Lexikon-Sonate. Алгоритм анализирует музыку известных композиторов (Бетховена, Шенберга, Сесила и др) и на ее основе создает свои варианты композиций.

67-летний уроженец Лос-Анджелеса, выпускник Калифорнийского художественного института Карл Стоун (Carl Stone) создает компьютерную музыку с 1986 года. Стоун заимствует звуковой ряд из коммерческой музыки, разрывает и склеивает музыкальные дорожки разными, порой нелогичными способами, изменяя и искажая ритм и звучание. Мелодия у него, к примеру, может проигрываться задом наперед. Свою работу он сравнивает с созданием анаграмм. Для написания произведений использует язык Max. Его свежий альбом Stolen Car (анаграмма имени Стоуна) вышел 25 сентября.

Стокгольмский лейбл XKatedral использует язык с открытым кодом SuperCollider (разработан в 1996 году, развивается как проект с открытым кодом с 2002). Артисты выступают вживую через MIDI-контроллеры.

Послушать больше музыки от XKatedral можно здесь:

42-летний музыкант Уильям Филдс (William Fields) из Филадельфии создал систему FieldsOS. Разработанная им программа запускается на лэптопе с использованием REAPER для звука и собственного языка JSFX REAPER. Управление происходит с iPad, на котором установлен пользовательский интерфейс, разработанный с помощью приложения Lemur.

Хотите сообщить важную новость? Пишите в Телеграм-бот.

А также подписывайтесь на наш Телеграм-канал.

Понравилась статья? Поделиться с друзьями:
Добавить комментарий

;-) :| :x :twisted: :smile: :shock: :sad: :roll: :razz: :oops: :o :mrgreen: :lol: :idea: :grin: :evil: :cry: :cool: :arrow: :???: :?: :!: